Petit florilège pour l'année 2011.

N’ayant par nature aucune espèce de goût pour les palmarès, les distinctions honorifiques et autres médailles (ces hochets qui font marcher les hommes, comme disait à peu près Napoléon, qui s’y connaissait), je ne suis guère enclin à établir ma liste des cinq, dix ou vingt meilleurs [1] films de l’année 2011 qui vient de s’achever.

Je céderai pourtant une fois, et une seule,  à cet exercice toujours un peu vain mais que l’on pratique un peu partout à cette période de l’année, et que j’ai moi-même pratiqué il y a longtemps, mais qui a au moins une vertu : éviter un long et ennuyeux (et aussi sans doute inutile) discours théorique en composant une sorte de portrait impressionniste des goûts et des couleurs de celui qui s’y livre ; illustrer en somme très concrètement la formule dis-moi ce que tu aimes et je te dirai qui tu es.

J’ai donc retenu huit titres plus un, histoire de ne pas faire comme tout le monde (et un peu par provocation aussi) ; et, pour faire mesure, mais sans m’étendre plus que nécessaire, j’en citerai un dixième qui résume à lui seul toutes mes exécrations en matière de cinéma (ce que l’on déteste peut avoir aussi du sens). Enfin, plutôt qu’un quelconque ordre préférentiel, j’ai privilégié un classement chronologique, soit donc :

·         Winter’s bone, de Debra Granik, dont c’est le troisième film mais apparemment le premier à sortir en France, qui propose une sorte de ballade chez les pauvres blancs des mont Ozark, en plein cœur de l’Amérique profonde, sur laquelle planent les ombres de Mark Twain, William Faulkner et James Agee (celui de Louons maintenant les grands hommes) et qui en appelle à ces contes noirs dont toutes les terreurs enfantines se nourrissent.

·         Animal Kingdom, de David Michôd, noir film noir parfaitement abouti, beau fleuron d’un cinéma australien dont nous voyons malheureusement trop peu de productions et dont deux autres cinéastes m’ont paru témoigner ces derniers temps de la bonne santé : John Hillcoat (pour La Proposition et, dans un cadre hollywoodien, La Route) et Nash Edgerton avec The Square, superbe exercice de style dans l’esprit de James Cain (celui du Facteur sonne toujours deux fois) --  film  passé totalement inaperçu lors de sa sortie début janvier 2009 [2].

·         Drive, de Nicolas Winding Refn, fascinant exercice de mise en scène pure, chronique behaviouriste striée d’éclairs de violence extrême, errance épurée au royaume du film noir, moins radical que ses précédents films (Le Guerrier silencieux notamment) mais parfaitement accompli.

·         The Artist, de Michel Hazanavicius, belle gageure où le cinéaste retrouve l’essence même de son art et démontre avec brio que c’est en étant d’abord muet que le cinéma a découvert l’esprit de la mise en scène et son sens, le son n’étant à tout prendre qu’un épiphénomène.

·         Les Marches du pouvoir, de Georges Clooney, qui s’inscrit dans la tradition d’un certain cinéma américain de dénonciation politique qui eut son heure de gloire dans les années 70 (et dont l’archétype pourrait être Les Hommes du Président, d’Alan J. Pakula, 1975) et témoigne des très réels progrès accomplis par Georges Clooney en tant que cinéaste.

·         Carnage, de Roman Polanski qui n’a bien sûr plus rien à prouver et qui pourtant, de film en film, et même parfois en traitant des sujets « mineurs »,  prouve qu’il est et demeurera un des cinéastes majeurs de ce temps, un des rares dont on puisse dire que le travail est parfait à tous égards (de l’écriture au montage en passant par le choix et l’organisation des cadrages et des mouvements d’appareil).

·         Shame, de Steve McQueen, un plasticien (espèce souvent redoutable), mais qui pour le coup, plutôt que de faire le malin comme beaucoup de ses petits camarades, préfère jouer avec sagesse du contraste entre une mise en scène joliment maîtrisée et un sujet particulièrement dérangeant (et très « casse-gueule »).

·         Time out, de Andrew Niccol enfin, parce que ce cinéaste (néo-zélandais d’Hollywood), très intégré au système mais dont les très intéressantes réalisations ont toutes été des échecs commerciaux, est parvenu jusqu’ici contre vents et marées à développer une œuvre riche, cohérente et infiniment personnelle (y compris dans son scénario pour The Truman show, de Peter Weir) qui comptera, j’en prends le pari.

Une mention particulière pour un neuvième film, sorti à la sauvette en tout début d’année, Harry Brown, de Daniel Barber, avec un Michael Caine solitaire, impérial et glacé. Loin d’être cette apologie de l’auto-défense que certains ont voulu y voir à tort, c’est une radiographie sans complaisance de la violence qui hante le corps social moderne en pleine déliquescence, le tout filmé au scalpel avec un regard sec [3] mais non dénué pour autant d’empathie. On songe plus d’une fois (et c’est un beau compliment !)  à La Loi du milieu, de Mike Hodge (1971), le premier Get Carter, avec déjà Michael Caine  --  et non pas son remake, nullissime, interprété  en 2000 par Sylvester Stallone et réalisé par je ne sais quel obscur tâcheron hollywoodien.

Quant au dixième film, il réunit à mes yeux toutes les tares d’un certain jeune cinéma français qui fait florès à l’heure actuelle et réussit l’exploit de cumuler absence de scénario et de mise en scène (ou alors, ce qui est possible après tout, ma conception de la mise en scène de cinéma est-elle complètement erronée) : c’est L’Apollonide – souvenirs de la maison close, de Bertrand Bonello, dont on sait par ailleurs qu’il a bénéficié d’une sélection à Cannes (en compétition) et, lors de sa sortie parisienne d’une couverture médiatique exceptionnelle et exceptionnellement favorable.

Reste enfin, et ce sera ma conclusion, que, à l’instant où j’écris ces lignes, on peut déjà voir sur les écrans ce qui sera à coup sûr, n’ayons pas peur des mots, l’un des films majeurs de 2012 : Take Shelter, de Jeff Nichols, sur lequel je reviendrai plus longuement un jour prochain.

Post-scriptum qui n’a rien à voir. Un grand merci à Abdul Alhazred dont l’aide technique et les conseils m’ont été d’un grand prix et sans qui ce bloc-notes n’existerait pas.

[1] Il faudrait d'ailleurs s'entendre sur le mot meilleur : meilleur pour qui, meilleur pourquoi. Tout est toujours relatif et, au surplus, je suis très loin (par choix) d'avoir vu tous les films sortis en 2011. Alors...
[2] A noter que le frère de Nash Edgerton, Joel, co-scénariste et acteur dans The Square, joue par ailleurs dans Animal Kingdom. Contre-exemple malheureux: Les Crimes de Snowtown, de Justin Kurzel, qui vient de sortir, monument de complaisance dont toute la mise en scène se résume à des effets désastreux de caméra tenue à l'épaule.
[3] Rappelons cette phrase de Georges Darien (romancier d'une époque pré-cinématographique): "Les yeux d'un écrivain, pour être clairs, doivent être secs".